guía cultural

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La soprano María Rey-Joly lleva tiempo queriendo ser también buena actriz y para demostrarlo de una vez por todas ideó este monólogo dramático-lírico; y el dramaturgo Albert Boadella se hizo cargo de darlo forma sobre el escenario. El resultado es notable a pesar de lo escabroso y al mismo tiempo trillado del tema, así como por la dificultad de hilar una historia de evolución personal en un monólogo de media hora intercalado entre 18 canciones muy diversas.

Esta obra musical revive el encuentro epocal entre los españoles y los tehuelches en la punta sur del continente americano hace cinco siglos. ‘Patagonia’ es una ópera de cámara con un formato íntimo excelentemente resuelto, una alta calidad técnica y una producción sobresaliente, no en vano ha sido considerada la mejor de 2023 en el conjunto de la creación operística iberoamericana.

Para justificar una nueva ópera española de poco interés y corta duración, se la precede y amalgama con una puesta en escena fallida de la celebérrima de Manuel de Falla. El resultado son tres horas de galimatías en las que la música queda sepultada por una insistente coreografía de violencia gratuita. Un espectáculo desagradable.

El Museo Nacional del Prado reúne el gran conjunto que el Greco realizó para la iglesia del Monasterio de Santo Domingo de Silos, llamado el Antiguo, en Toledo, disperso desde 1830. De los nueve cuadros, solo faltará uno, el que se encuentra en Rusia. Se trataba de tres retablos, uno central tras el altar mayor flanqueado por dos laterales. La Asunción, la gran tela central del retablo mayor, que desde 1906 es del Art Institute de Chicago, se expone junto a las dos obras que posee el Prado, las tres que siguen actualmente en el monasterio, y dos procedentes de colecciones privadas. Comisariada por Leticia Ruiz, Jefa de Colección de pintura española del Renacimiento, la reunión de estas obras, es un acontecimiento artístico extraordinario que permite disfrutar de un conjunto excepcional de la primera producción del Greco en España.

Cuerpos en la oscuridad; ambientes desenfocados, reflejos y sombras, en un tiempo flores… ‘Si uno no busca las cosas que no pueden verse, estas no se vuelven visibles’, dice la autora de estas 142 imágenes inesperadas en una exposición muy conceptual, imágenes difíciles de describir con palabras. Destellos en blanco y negro.

Con dos añejas comedias napolitanas de hace un siglo, el consagrado director catalán Luis Pascual estrenó hace una década una recreación en Barcelona que llevó a Nápoles, resucitó en Buenos Aires y ahora nos la trae a Madrid en un espectáculo que se alarga demasiado a base de folclore napolitano y elucubraciones pirandelianas.

Menos mal que a la autora le ha salido un rugido inteligente y no un panfleto al uso. Esta comedia, puesta en escena de forma original e interpretada de forma convincente, amenazaba con ser otro pregón subvencionado y sin embargo permite pasar un buen rato a base de tomarse a broma esa tontería de hombres todos malos y mujeres todas buenas.

‘1924. Otros surrealismos’ consigue demostrar que este movimiento artístico aún puede decir cosas tras un siglo de existencia. Y es que la exposición presenta aspectos menos conocidos, especialmente una visión amplia de la contribución española e iberoamericana y de la presencia femenina. Un armario fantástico es la puerta de entrada a un recorrido de lo más sugerente e interesante.

De Lisboa llegan 18 de las ‘vedute’, -vistas de los paisajes icónicos venecianos, como el puente de Rialto o el Palacio Ducal, sus fiestas y los alrededores-, de este prestigioso seguidor de Canaletto al que heredó como el paisajista más importante de la época y al que se atribuyen más de ochocientas obras.

Si hace quince años no se hubiera ya visto en el Teatro Real esta ópera de Piotr Ilich Chaikovski, tras esta versión escénica de Christof Loy uno la juzgaría desabrida, insulsa, de fama inmerecida. Pero pudiendo comparar, deduciremos que un errado director de escena puede impedir disfrutar de la mejor partitura. Es el misterioso duende del teatro, y más del teatro musical.

Pocas veces se alcanza en escena una emotividad tan sublime, tan real, tan auténtica. Pocas veces coinciden las excelencias de texto, montaje e interpretación en una sinfonía profunda, en el tono justo que tiene la vida corriente, sin recurrir a piruetas literarias, escenografías complicadas o presencias sobreactuadas. La justa vía de en medio, el camino del tao.

Hay obras teatrales de grandes autores del pasado que duermen debidamente el sueño de los justos. Esta pieza es buen ejemplo. Y si encima la despiertas con una dramaturgia fallida en todas sus facetas el resultado puede ser y es penoso.

Para estar preparado -vacunado, diríamos- frente a tantos dimes y diretes como en 2025 habrá que aguantar sobre Franco y el franquismo, no hay mejor receta -o antídoto- que adquirir, leer, consultar o invocar la primera serie de la Crónica de Medio Siglo, esa odisea periodística de la que nos venimos haciendo eco periódicamente desde hace una década.

Con este gran melodrama, Claudio Tolcachir vuelve a la primera línea. Visión certera de ese sector social bordeando la marginación que parece crecer conforme otros se hacen ricos, acompañada de un texto excelente, con muy buena dirección para un elenco sobresaliente, en una puesta en escena que acompaña bien este fresco de la realidad que no carga las tintas sino que carga los sentimientos.

Esta versión de la poco representada y muy famosa obra se presenta como flamenca, pero lo es en el tono justo. Conserva perfecto los vibrantes espíritu y texto de un Lorca auténtico en un montaje acertado para una farsa que en el fondo, es un gran drama como la definió Federico.

El irlandés Michael Keegan-Dolan bien secundado por su esposa traen a Madrid un espectáculo performativo y autobiográfico muy original y auténtico que no es lo que se anuncia pero que tiene vida, emoción y muy buenas vibraciones. Se le puede perdonar ese patrioterismo tan exacerbado en sus conciudadanos a cambio de sus ironías contra los británicos, su espontaneidad bien medida, sus insinuaciones meditativas y la presencia de Rachel.

Partiendo de textos clásicos españoles, este proyecto pedagógico de la CNTC imita desgraciadamente el equivocado camino emprendido por el Teatro de la Zarzuela con su proyecto Zarza para popularizar el repertorio clásico. Con el mismo resultado: un petardo discotequero sin pies ni cabeza para que los pobres adolescentes de tercero de la ESO odien al teatro español del siglo de oro por mucho tiempo, si no es para siempre.

No ganará quien cuente la verdad, sino quien sea capaz de contar la mejor historia. Esta frase tan de actualidad apadrina esta vieja comedia de la otrora célebre Agatha Christie; que se deja ver, entretiene y guarda sorpresas finales que el público agradecido sabrá aplaudir.

Un estreno del penúltimo premio nobel tiene por fuerza que ser interesante, máxime porque dijeron concedérselo por sus "innovadoras obras de teatro y prosa que le dan voz a lo que no se puede decir". Esta 'Sterk wind' es un viento fuerte nórdico cuya intensidad es efímera, que promete y no cumple, fugaz y estéril.

En el género operístico, las historias truculentas y las muertes trágicas atraían a aquel público ávido de emociones. Hoy, el trágico final de María I Estuardo reina de Escocia ha perdido morbo, pero esta ópera conserva grandes valores afianzados en una producción notable.

La Compañía Nacional de Danza regresa al Teatro de la Zarzuela con el ballet La Sylphide, estrenado justo hace un año con Joaquín de Luz aún como director artístico, y reestrenado por su sucesora en el puesto con nuevos protagonistas y renovada plantilla dentro de la horma entonces celebrada.

Cuando se es factótum de una profesión todo son halagos y eso termina produciendo desvaríos. Esta ‘La gramática’ de Ernesto Caballero parte de una anécdota descabellada, y enhebra ocurrencias para improvisar un diálogo de ochenta minutos que aburre por convencional e irrita por osado. Con una puesta en escena fea y desangelada, es una producción barata para hacer caja y una propuesta sin sentido.